Skip to main content

Jan Hendrix, Naturaleza intervenida -Entrevista

 


Primera retrospectiva de Jan Hendrix en el MUAC 04.05.2019 — 22.09.2019 Tierra firme




“Podría quedarme con todo lo que he visto y leído y trabajar con eso para siempre. aunque, la curiosidad siempre me gana y si me entero que hay una colección de plantas o un herbario muy interesante, ahí voy yo a buscarlo” Jan Hendrix

El artista contempla y toma nota de formas vegetales que ha recreado en toda su obra: intervenciones arquitectónicas, esmaltes, esculturas, dibujos o grabados. Los motivos van desde hojas, troncos o ramas que convierte en composiciones abstractas creadas a partir de los detalles, de convertir un fragmento en el todo.
“Hay un interés que cada vez se va acercando más a los detalles pequeños del paisaje grande. Obviamente, cuando te empiezas a meter con plantas te empiezas a meter donde están quién las tiene: te topas con los herbarios. Empiezas a encontrar colecciones de plantas, reproducciones y empiezas a estudiarlo poco a poco. Cada vez que estudias más te vas metiendo más y más en el tema y es un camino sin fin; en el cual entiendo una especie de suma de formas que son la suma de la forma. A final de cuentas son las formas que estamos utilizando en absolutamente todo”.

Botánico por vocación, su búsqueda es guiada en gran medida por lecturas de novelas o investigaciones de herbolaria. “En la botánica he encontrado un mundo infinito”.

En sus exploraciones va encontrando tesoros; esos que la naturaleza nos regala.Todo comienza con una hoja: “Una hoja recogida en la Selva Lacandona.
“Fue hace varios años y fue una época breve. Resulta que la hoja destruida tenía una cantidad todavía intacta que era el equivalente de la Selva Lacandona intacta. O sea, lo que quiero decir, es que la hoja se vuelve el mapa de la destrucción de la Selva Lacandona. Lo más pequeño que tienes en este lugar lo recoges y resulta que es el mapeo perfecto de la destrucción. Entonces se vuelven como metáforas”.


Fuertemente arraigado en la gráfica, su pasión por la botánica y sus estudios de la naturaleza en el arte han enriquecido su trabajo como artista evolucionando hacia otros soportes con el mismo carácter gráfico que ha desarrollado en sus grabados y dibujos por más de cuarenta años.
“La gráfica es básicamente dibujo y el dibujo es el motor de todo lo que hago. Todo tiene que haber pasado primero por mis manos y los míos, la gente con los que trabajo. Para poder hacer un dibujo de algo, se tiene que deliniear; dibujar y redibujar hasta que empiece a tomar distancia con esta forma real con la cual estoy trabajando.



Porque siempre trabajo con formas que existen en nuestro mundo: hojas, ramas,
tallos, piedras”.

La obra de Jan Hendrix se han convertido en ícono, reconocible siempre por su estética gráfica, reducida paleta cromática y formas botánicas. “El mapeo de la hoja, un tema que me intriga mucho que me interesa mucho y me doy cuenta que es una especie de abstracción. Que también, por ejemplo, la nervadura de una hoja puede tener exactamente el mismo dibujo que una tierra seca; una tierra que se está quebrando”.

Su trabajo, naturalista en esencia, es una defensa desde las trincheras de un verde que se apaga. De una naturaleza que perece.
“Es a lo mejor esta preocupación que tenemos hoy en día de algo que hemos descubierto hace varios cientos de años; y lo hemos consumido, lo hemos acabado. Primero está la gran excitación de que encuentran, el gran descubrimiento de todo. Luego está el gran consumo de todo esto durante 200 años. Hoy en día estamos viendo la gran destrucción”.

A la pregunta sobre qué opina del arte contemporáneo responde
“Tengo una visión positiva del arte contemporáneo… tengo un optimismo sobre lo que está pasando. Una generación que está trabajando fuerte que se ha puesto en el mapa internacional. Por ejemplo la feria Zona Maco es como un barómetro; lo que está pasando a nivel del arte contemporáneo en México”.



Finalmente después de una deliciosa plática sostenida en su estudio (uno de los más pulcros que he visto de un artista) se voltea y me dice: “Quisiera tomar un sabático y ser cartógrafo; pero no creo”.

Anitzel Díaz

Comments

Popular posts from this blog

De Arte y Artistas

  En esa constante lucha con la muerte, la obra de arte permanece; el nombre del creador se graba en la historia. Encuentra un lugar de sosiego donde nos reconcilia con el mundo al que pertenecemos. Dice PLatón que el ser humano tiene dos fecundidades, la del cuerpo y la del alma. Aquellos cuya fecundidad es la del cuerpo tienen hijos; aquellos cuya fecundidad mora en el alma alcanzan la inmortalidad en una obra de la inteligencia, y así nace el creador: el artista. Los hay que a través del pincel y el óleo crean imágenes que se vuelven universalmente reconocibles. Hay quienes a través de las palabras crean espacios y personajes que tienen tal fuerza que se imponen transformándose en reales. Los hay músicos, poetas, actores, bailarines, arquitectos. Están los que encontraron la fama y el éxito en vida, los que inmortalizaron su nombre y los que a pesar de no haber sido tan reconocidos han encontrado la manera de filtrar su talento y su obra hasta nuestros días. A...

El Metro de la CDMX por Lance Wyman

Cuando Lance Wyman, diseñador norteamericano, llegó a México en 1966 la referencia más cercana que tenía de nuestro país eran las piñatas. Wyman formó parte del equipo que desarrolló la imagen gráfica para las Olimpiadas de 1968, junto con los arquitectos Ramirez Vázquez y Eduardo Terrazas.  "Me gusta la simplicidad y la franqueza en la cultura mexicana. La geometría en sus diseños" comenta el diseñador en su visita al MUAC. Habiendo crecido en Nueva York en un ambiente totalmente urbano Lance lleva la ciudad a todas sus creaciones. Pero México le ha dejado una huella característica en el uso del color, la geometría y la simplicidad de su imagen iconográfica. "Soy un comunicador y se podría decir que el arte está involucrado pero como diseñador estás obligado a comunicar algo." Wyman desarrolló también la identidad gráfica del metro de la Ciudad de  México y la copa mundial de México en 1970. “Terrazas, amigo y compañero de trabajo, me convenció para viajar a México...

THOMAS BANGSTED — THE HISTORY OF THE MAKING #PHOTOGRAPHY

By Anitzel Diaz  M A R C H 2 5 , 201 5  HOW TO USE PHOTOGRAPHY TO BRING BACK SOMETHING THAT DOESN´T EXIST? THEY ARE FRAGMENTS THAT I PUT TOGETHER. THE FINAL PICTURE BECOMES A KIND OF LAYERED REPRESENTATION OF TIME. THE PICTURE HAS INSIDE THE HISTORY OF THE MAKING…  Thomas Bangsted (b. 1976), photographer, was born in Denmark, now he lives in Brooklyn, NY. He holds a Fine Arts degree from The Glasgow School of Art and Goldsmiths College, and has a master’s degree from Yale University. He is represented by the contemporary art gallery MARC STRAUSS in New York.  Using a large format camera, he creates surreal black-and-white compositions of battleships at sea and dark landscape scenes. Portraits that amaze not only by it´s scale but by the process in which they were created. Bangsted has achieved a very personal work by bringing together analogical and digital technologies with the patience of a clockmaker. Some of his images take as long as three years of layering and ...